14:02

L'esperit de ‘Cyrano'

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La Biblioteca de Catalunya té fantasmes, diu el director Oriol Broggi. Del 23 de maig al 22 de juliol, l'ànima de Cyrano es presentarà en la primera producció de La Perla 29 des que la companyia disposa d'un acord per establir-s'hi els pròxims anys. Pere Arquillué interpreta un paper que és recordat, fins ara, per la interpretació de Josep Maria Flotats al Teatre Poliorama. És un record tan potent que ningú s'ha atrevit a fer-ne una versió professional ambiciosa. Fins ara.
Com evitar que Flotats els faci ombra? La nova producció juga amb l'espai de la Biblioteca de Catalunya. Les parets, nues, es poden convertir en abadia, sala d'entrenament de cadets, balcons romàntics i també en el teatre on arrenca la peripècia: Cyrano, un home lleial, valent, astut i intrèpid ataca i caricaturitza els enemics sigui a través de l'espasa, sigui per mitjà de les sagetes de les paraules rimades. És un mestre que tothom admira, amb un particular taló d'Aquil·les: un nas espantós palplantat al mig del rostre que l'avergonyeix a l'hora d'enamorar la seva cosina Rosaura. Si Broggi va ser capaç de convertir els diversos espais de Luces de bohemia o la recent Incendis en una coreografia de taules que canviaven de lloc, ara el públic també disposa d'un mirador privilegiat des del qual s'endevina un natural moviment de cortines per donar amplitud i varietat a l'espai. La peça té una durada de dues hores i mitja, incloent-hi un entreacte.
Broggi ha provat de donar més gruix als personatges secundaris, eliminant-ne alguns i dotant de més credibilitat els altres. Cristià (Bernat Quintana) no és només el “guapo i tontot”. Marta Betriu (Rosaura) busca la manera de fer actual aquest personatge d'època: “Ella i Cyrano són inconformistes.” Arquillué, que debuta com a actor amb La Perla 29 estava eufòric ahir. Deia que s'havia retrobat amb el gaudi de l'ofici artesanal del teatre, i havia comprovat com tot es va fent, i refent, i superant els tràngols de la manera més natural possible. I el respecte pel vers. S'ha adaptat la versió de Xavier Bru de Sala, saltant alguna rima –la qual cosa dóna més vivacitat al text–. El vers parteix de la dicció acadèmica perquè, al final, “cadascú hi trobi la seva manera de dir-lo, que voli”, apunta Arquillué.
Cyrano és, en efecte, una aventura romàntica de capa i espasa. La versió de Broggi no la rebaixa. Disposa d'Isaac Morera a l'escenari. Aquest actor i mestre d'armes creu que l'obra d'època d'Edmond Rostand és una de les peces que està escrita pensant en la lluita: “Els moviments no estan escrits però hi són latents”. Les espases són una clau perquè public i actors s'atreveixin a jugar i donin a l'espectacle un aire de sessió de tarda per a “nens de 8 a 90 anys”, segons Broggi.

Flotats: “Ho has de fer anar ‘in crescendo', o no rutlla”


Dir Cyrano a Barcelona és parlar de la versió de Josep Maria Flotats, el 1985. Ara fa 27 anys. Per Pere Arquillué és tot un repte assumir el personatge que va impressionar-lo, com a espectador. Flotats, amb qui Arquillué va treballar un parell d'anys i segons l'actor és “un mestre i un amic”, li ha recomanat atenció al soliloqui: “Ho has de fer anar in crescendo, si no, no rutlla; t'ho dic de debò!” Li ho va explicar, generós, ahir a la ràdio.
El protagonista de la producció de la Biblioteca celebra poder presentar una obra que “els menors de 45 anys” no hauran vist mai. És un privilegi poder integrar-se en un històric d'actors que han interpretat Cyrano: “Em sento orgullós de ser el de després de Flotats.” Arquillué defensa el seu Cyrano un cop comprovat que el nas –imprescindible per fer evident la desgràcia del poeta espadatxí– es converteix en una “màscara fantàstica que permet fer-ho molt natural”. El nas és un signe del que tothom té, “de manera externa o interna”. La lletjor el condemna a no ser estimat, però Cyrano s'atorga la capacitat d'estimar en silenci. Coneix la seva limitació i revela la dels altres, fent-ne mofa.
Font: Text: Jordi Bordes (www.elpuntavui.cat)/ Foto: www.elpais.com

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13:57

"Sospecho que esta obra les puede alegrar el día"

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Esta entrevista es corta porque Antonio Resines está muy atareado. Bien por él, no todos en su profesión pueden decir lo mismo ahora. Hay varios cruces de llamadas hasta que se tercia la charla: "¡Qué complicación, chica!". Y luego habla de corrido pero muy cortés, con ese tono simpático que le pone él a todo, como si lo conocieras de toda la vida. A usted también le habrá pasado. Al tema, que aunque al principio le costara se decidió a revivir junto a Manuel Iborra y algunos de sus compañeros de reparto de entonces (Jorge Sanz, Quique San Francisco y Pau Riba) el viaje de la película Orquesta Club Virginia, inspirada a su vez en la gira por Oriente del músico Santi Arisa, que vuelve a poner la banda sonora. Lo hace en un terreno que no es su medio natural, el teatro, pero se ha esforzado, asegura, y ahora espera que la gente se divierta con esta comedia dramática en la que, es cierto, Antonio, "prevalece el optimismo", que falta nos hace. 

¿De quién fue la idea de retomar la historia de Orquesta Club Virginia?
Nace de Mario Gas y de Manuel Iborra hace un año más o menos. Siempre habíamos mantenido Manuel y yo la idea de rodar la continuación o una precuela. Pero él me planteó una versión para teatro y nos llamó a todos los componentes. Yo dije que me arriesgaba si estábamos todos o un número alto de los que actuamos en la película y así ha sido. Es una traslación al teatro del espíritu de la película pero en directo, espero que a la gente le guste. 

¿Cómo se le ha dado la vuelta al teatro?
Al principio mal, no es mi medio natural, pero poco a poco hemos ido cogiendo tablas, nunca mejor dicho... esto es una gilipollez pero en el teatro, como todo es en directo, cualquier fallo de cualquiera afecta al resto y es una función técnicamente muy compleja, con canciones en directo, cambios de países, 18 actores...

¿Qué tal el reencuentro con sus compañeros de reparto?
Somos muy amigos y, aunque no habíamos coincidido desde hacía tiempo, ha sido como volver a estar en el rodaje hace 20 años. Estamos igual todos, algo más tocados, eso sí. 

Pepón Nieto, Juan Díaz y Víctor Elías, por ejemplo, no estuvieron en la película pero sí en proyectos anteriores.
Sí, con todos he trabajado. Algunos han hecho de hijos míos. Juan era mi hijo en A las 11 en casa, Víctor era Guille en Los Serrano, Jorge Sanz también ha hecho de hijo mío...

¿Ha actuado también de padre de ellos sobre el escenario?
Uf, qué va, estos tienen más conchas que un galápago y además son muy buena gente.

Repiten el esquema narrativo de la película, que estaba planteada como una sucesión de escenas cortas en diferentes lugares.
Sí, funciona de la misma forma en el teatro, lo cual está muy bien porque te cuentan la historia en continuidad, con pasos de tiempo, pero la estructura es la misma hasta el final, que es la vuelta y el fracaso de los músicos. 

El fracaso relativo, la historia no pierde de vista el optimismo y se enmarca en un viaje hacia Oriente, tiene ese matiz escapista, que casa muy bien el presente.
Sí, habla de unos músicos pero podría hablar de cualquier profesión. Hacen ese viaje en la época de la Guerra de los Seis Días buscando un lugar al que nunca llegan, pero se lo toman bien. Aquí vamos a estar como en Jordania hace 40 años... aunque hay drama y aunque sospecho que hay gente que lo está pasando mal, que no tiene el coño para ruidos, creo que podemos contribuir un poco a alegrar el día. Si eso sucede, me doy por satisfecho. 

El cine tampoco está para ruidos. ¿Tiene algo por ahí a pesar de la tijeretada?
Tenemos un largometraje de ficción que hemos producido entre unos cuantos, se llama La aventura del pájaro amarillo. Ahora estamos con esto pero de ficción no hay mucho. Aunque tremendo no hay nada, para entendernos. 

Fuente: Marta Caballero (www.elcultural.es)

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14:48

La poesia de Josep Pedrals per partida doble a La Seca

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Sent la primera vegada que l'obra de Josep Pedrals s'adapta al teatre, l'atzar ha volgut que fos per partida doble; l'atzar i la complicitat del poeta i escriptor amb els joves directors Jordi Oriol i Iban Beltran, que dirigeixen En comptes de la lletera i El Furgatori , respectivament. Aprofitant que totes dues obres recreen l'univers lingüístic del poeta i escriptor, La Seca - Espai Brossa les ha englobat dins el Cicle Josep Pedrals.


Aquest dimecres la companyia IndiGest estrena En comptes de la lletera , que ja va passar per La Planeta de Girona en el marc del Festival Temporada Alta: és la història de quatre ornitòlegs a la recerca d'un ocell llegendari, la lletera (lactius lactius , segons el llenguatge científic particular de Pedrals). El text en vers de l'obra rellegeix el popular conte de la lletera amb música d'acompanyament, fent una mirada en clau d'humor a la tendència dels homes a "fer volar ocells". "És el llenguatge de Pedrals, que sempre m'ha fascinat, amanit amb escenografia i música", descriu Oriol, que ja ha exercitat un llenguatge poètic propi en obres com Home-Natja i OB-sessions . Josep Pedrals veu la història com un homenatge a Pitarra, "una astracanada, un despropòsit molt bonic, com la realitat que vivim". A part de l'autoria del text i la direcció de l'obra, Pedrals i Oriol també s'encarreguen d'interpretar dos dels protagonistes.
Pel que fa a El Furgatori , que es representarà al mateix espai del 30 de maig al 10 de juny, és l'adaptació d'un dels textos més reconeguts de l'autor. Es tracta del dietari de Quim Porta, un personatge que viatja a un poble imaginari de la Catalunya profunda i hi escriu una novel·la. Aquest indret inventat és Bolló, "un poble tropical de costums alegres i desenfadats que està situat sobre unes termes, un fet que provoca que tota una galeria de personatges vagin calents", afirma Pedrals. El mateix autor equipara aquest nou punt geogràfic del seu imaginari, Bolló, amb el Macondo de Gabriel García Márquez o la Mequinensa de Jesús Moncada. "És un viatge amb personatges prou estranys que només es podia representar a La Seca", segons el director Iban Beltran, que va rebre el premi de la Fira Mediterrània (Manresa, 2007) per l'obra Entremès de dos estudiants .
Les dues obres, que "no tenen res a veure", comparteixen una idea decadent de la realitat. "És el meu món estètic, entre barroc i decadent, sempre amb la lletjor humana present", en paraules de Pedrals.
Font: Pau Dachs (www.ara.cat)

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14:44

Beckett, ese pájaro negro y solitario

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En el libro que Enrique Vila-Matas dedicó a los años que pasó en París cuenta que un día, paseando por los jardines de Luxemburgo, divisó en una alameda secundaria a “un pájaro negro y solitario, casi inmóvil, leyendo el periódico”. Ahora aparece en España una de las mejores biografías dedicadas a aquel singular caballero, la que el irlandés Anthony Cronin publicó en 1997 y que es, seguramente, la que mejor reconstruye los pasos que fue dando ese “pájaro negro y solitario” hasta que conquistó su propia voz, una de las más poderosas y desamparadas del siglo XX y que le valió recibir el Premio Nobel de Literatura en 1969. Samuel Beckett. El último modernista (La uÑa RoTa, traducido por Miguel Martínez-Lage) empieza por lo más lejano. “Yo tengo un recuerdo claro de mi existencia fetal”, contó Beckett alguna vez. “Fue una existencia en la que ninguna voz, ningún movimiento posible podía liberarme de la agonía y las tinieblas a las que estaba sujeto”. A partir de ahí, va siguiendo meticulosamente sus pasos hasta el día de su muerte, el 22 de diciembre de 1989.

“Tuvo sentimientos encontrados con respecto a su madre, pero tuvo un considerable afecto por su padre”, escribe Cronin. Samuel fue el segundo hijo de una familia acomodada que vivía en Foxrock, un barrio residencial de Dublín, donde nació el 13 de abril de 1906. Tímido, reservado, enfermizo, solitario, no supo llevar bien la rigurosa educación y la extrema frialdad que su madre imponía en casa, de ahí que recordara su estancia en el Portora Royal School, el internado al que fue enviado en 1920, como “los últimos años realmente felices en mucho tiempo”. En aquella institución, chapada a la antigua, fue realmente popular. Le costaba relacionarse con sus compañeros pero triunfó como deportista. Destacó sobre todo en el críquet, pero practicó también el rugby e, incluso, el boxeo. Nadaba estupendamente, jugaba al tenis y al golf, más adelante tuvo una moto. Sorprende que alguien tan volcado en los deportes escribiera posteriormente tan lúgubres diagnósticos sobre la condición humana, como este apunte de un breve texto de 1957: “No, no me arrepiento de nada, lo único que me fastidia es haber nacido, es tan largo, morir, siempre lo he dicho, tan cansado a la larga”.
Ese fue, sin embargo, el tono de su obra: la desolación, un radical pesimismo, la brutal certeza de la ausencia total de cualquier sentido. Todo eso servido, ciertamente, con un peculiar sentido del humor (lo calificaron de “crudo” cuando empezó a publicar). Estudió en el Trinity College de Dublín entre 1923 y 1927 y se licenció en filología moderna. Consiguió una plaza como lector de inglés en la École Normale Supérieure y llegó a París, entonces el centro de las vanguardias, en 1928. Allí conoció a James Joyce, que fue decisivo para su futura dedicación a la literatura. Era tal la proximidad entre ambos escritores, ambos irlandeses y miopes que cuando estaban a solas, cuenta Cronin, “uno de sus principales métodos de comunicación eran los silencios mutuos, como dijera Beckett, ‘dirigidos el uno al otro”.
La vida de Beckett estuvo llena de desplazamientos antes de que se instalara en Francia de manera definitiva a partir de noviembre de 1937, y decidiera unos años después escribir el grueso de su obra en francés. Cronin lo sigue de manera escrupulosa, va dando cuenta de cada una de sus amistades y amoríos, disecciona sus obsesiones, analiza cada nuevo texto que escribe, y muestra el desgarro íntimo que lo acompañó todo el tiempo: liberarse de Irlanda aun cuando llevara clavado su paisaje como un rasgo insoslayable de su mirada. Cultivó los círculos intelectuales de los lugares por los que fue pasando aun cuando nunca formara parte de grupo alguno, fue gran amigo de Giacometti —“los dos eran aves nocturnas y adictos a las caminatas”— y amante, “reticente” según Cronin, de Peggy Guggenheim. Suzanne Deschevaux-Dumesnil, seis años mayor que él, fue la mujer decisiva. “Ella me convirtió en un hombre”, dijo Beckett, “ella me salvó”. Pasaba una época difícil, bebía mucho, no trabajaba, un día fue apuñalado por un proxeneta.
Gracias a la influencia de Suzanne empezó a ser más un ciudadano francés que un irlandés exiliado. En septiembre de 1938 todo el mundo, incluso alguien tan apolítico como Beckett, sabía que habría guerra. Tuvo noticias de la crueldad y la virulencia del antisemitismo nazi y un día decidió saber qué conteníaMein Kampf, el libro de Hitler. Un tiempo después de la ocupación de París, empezó a colaborar con la Resistencia. Cuando terminó el horror que dejó el mundo sembrado de cadáveres fue condecorado con la Croix de Guerre.
“Molloy y todo lo que vino después fue posible el día en que tomé conciencia de mi propia estupidez. Entonces empecé a escribir lo que sentía”, explicó Beckett años más tarde refiriéndose a la primera novela de su trilogía más célebre. La escribió, como otras de sus grandes obras, en un periodo de máxima creatividad, el que va de los años 1946 a 1950.
Esperando a Godot fue la obra que lo encumbró y le permitió llevar su universo de seres abandonados y perdidos al gran público. “El cuaderno escolar en el que se escribió a toda velocidad y sin apenas enmiendas lleva la fecha del 9 de octubre de 1948 en la primera hoja y del 29 de enero de 1949 en la última”, cuenta Cronin. A partir de entonces, siguió escribiendo de manera infatigable, pero los cimientos de su literatura eran ya inconmovibles. Todavía tuvo un gran amor (Barbara Bray) aunque siguió con Suzanne, y, claro, no dejó de beber. Cuando le otorgaron el Nobel en 1969 lo consideró “una catástrofe”. Nunca le había interesado ese tipo de gloria.

Un hombre frágil en la resistencia

Anthony Cronin es muy preciso en su biografía cuando describe los achaques de Samuel Beckett. Aunque advierte que seguramente muchos de sus males eran de origen psicosomático, apunta que “era propenso a sufrir agudos trastornos estomacales, fiebres, resfriados, palpitaciones, náuseas, forúnculos, quistes sebáceos, erupciones faciales y otras complicaciones”. El propio Beckett, que lo mismo podía pasarse horas sentado en un parque que caminando infatigable de un lugar a otro, reconocía haber estado deprimido, “como cabe esperar en una coliflor llena de gusanos”.
Sus frágiles nervios no fueron ningún obstáculo para que trabajara con la Resistencia poco después de que los alemanes ocuparan París durante la IIGuerra Mundial. Se dedicó a tareas de información dentro de una célula que se llamó Gloria. Cuando fue desmantelado, y cayeron muchos de sus integrantes, huyó a Roussillon, donde llegó con su mujer tras una agotadora caminata. Estuvo a punto de participar en una emboscada contra una columna enemiga. Tuvo entonces una pistola en las manos, pero los alemanes nunca pasaron por allí.
Fuente: José Andrés Rojo (www.elpais.com)

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14:40

En las tripas de Lepage

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Hay un mundo llamado Hobbit Town escondido debajo del escenario que el director canadiense Robert Lepage y su compañía Ex - Machina han montado en el Teatro Circo Price de Madrid con motivo del estreno mundial de su última creación: Juego de cartas 1: Picas, la primera parte de una tetralogía en la que nos sumerge en el mundo del juego y con la que nos lleva a Las Vegas, la ciudad del pecado, un sitio de perdición y de perdidos que ansían encontrar su camino casi por azar. Ese submundo oculto, circular como la pista del circo y liliputiense (mide 1,10 metros de alto y tiene un diámetro de 10 metros), es el que el espectador solo alcanza a imaginar hasta el momento en que se queda boquiabierto con la sorpresa final de la función.
 Ahora se puede contar porque ayer fue la última representación de esa obra que ha pasado por la capital gracias al Festival de Otoño en Primavera: cuando parece que todo ha terminado, en medio de los aplausos y con los seis actores saludando desde el escenario, comienzan a salir bajo las tablas una, dos, tres, cuatro… hasta siete personas en diminutas sillas con ruedas, sentadas a ras del suelo. Son los técnicos que hacen funcionar esa plataforma circular desplegable, esa especie de muñeca rusa gigantesca de la que van saliendo, como si de la chistera de un mago se tratara, las distintas escenografías, concretamente los 399 movimientos que tiene esta función y que se suceden durante tres horas (sin intermedio) al modo de las secuencias de una película.
A los ojos del público, todo cuanto aparece en escena (una piscina, un casino, la barra de un bar, una habitación de hotel) parece emerger de una maquinaria de precisión, tecnología punta. Pero la sorpresa es aún mayor cuando uno se adentra en las tripas de ese escenario y descubre que, aparte de la plataforma de aluminio que sube y baja mecánicamente, todo funciona con cintas de velcro, imanes y ruedas y que el elemento tecnológico más avanzado es la polea con la que se ponen las puertas del escenario en pie, tirando de una cuerda desde abajo. Todas las piezas de ese enorme tetris se mueven a base de fuerza bruta, hasta el escenario (giratorio) lo ponen en marcha y lo paran esos técnicos sentados en sus diminutas sillas, tirando con sus manos de unas asas clavadas debajo de las tablas. “Hay que estar fuerte”, señala Anne Marie Bureau, una de las técnicas.
En Hobbit Town, como en Las Vegas, se vive al límite. Parece imposible perderse en una superficie circular de 10 metros de diámetro pero, es tal la velocidad, que en ese reducido espacio están claramente marcados los puntos cardinales. “El Norte son los camerinos”, señala Sergio Gutiérrez, uno de los tres técnicos del Teatro Circo Price (junto a Sergio Domínguez y Rafael Vaquerizo) que se incorporó al equipo de Ex - Machina para este montaje. “Tuvimos que aprenderlo en dos días, entramos directamente en el ensayo técnico después de montar esta especie enorme juego de Lego, es increíble”, reconoce Domínguez.
Los camerinos de este submundo, llamados gallineros por los actores, miden un metro cuadrado. “Los actores se tienen que cambiar a veces tumbados en el suelo y las actrices, que llevan tacones y vestidos con plumas, permanecen encorvadas hacia adelante hasta que les llega el momento de salir”, cuenta Bureau y muestra el hueco de menos de medio metro por el que entran y salen del escenario-plataforma.
“Todo es reconvertible y todo está doblado o enrollado, listo para ser desplegado o guardado”, explica Virgine Lecrerc, responsable de utilería. Incluso ella misma se desdobla: “Preparo los elementos de una escena (una vajilla, la mesilla de noche de una habitación de hotel con el teléfono y el libro pegados con velcro, las cartas y las fichas de los crupieres…) y, de pronto me sacudo el pelo, y aparezco en escena de extra, como una señora más del servicio de limpieza de un hotel”, cuenta riéndose junto a su compañero Simon Laplante, encargado de abrir, cerrar y asegurar, cada uno de los elementos que salen a escena. Todos ellos han creado una particular coreografía en ese submundo milimetrado, diminuto, veloz y silencioso que, al descubrirse, desencaja mandíbulas ante la sensación de milagro.
Fuente: Patricia Ortega Dolz (www.elpais.com)

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14:36

Títeres en estado de gracia

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“La marioneta ha sabido expresar lo que nadie había osado decir sin máscara: es la heroína de los deseos secretos y de los pensamientos escondidos, es la confesión discreta que nos hacemos a nosotros mismos y a los demás”, señalan los investigadores Chevalier y Gheerbrandt, creadores del Diccionario de los símbolos, acerca del mundo del teatro de objetos inanimados, mientras que Julio Michel, director y creador del Festival Internacional de Títeres Titirimundi, recuerda que en todas las culturas de todos los tiempos los hombres han sentido la necesidad de construir muñecos para remedar, así, a sus dioses. “Adán, antes que hombre, fue un muñeco de barro al que Dios insufló vida; los egipcios representaban figuras articuladas, en Atenas, los teatros de títeres gozaban de privilegios y hay quien sostiene que Sócrates fue ventrílocuo y creó el diálogo socrático discutiendo con su muñeco; Roma heredó el gusto por los títeres y en las culturas precolombinas, africanas y orientales hay referencias continuas a este arte”, sostiene Michel.
El caso es que pocas veces hay una opinión tan unánime y tan favorable sobre una muestra teatral como la que se produce con Titirimundi, considerado el mejor evento en su género que hay internacionalmente, según los profesionales y expertos de este sector. Un festival al que acuden grupos de los cinco continentes, con una joyas escénicas que dejan boquiabiertos a los grandes entendedores y, sobre todo, a aquellos que aún no han descubierto que los títeres han salido, en España, de un gueto de pobreza creativa, en el que permanecieron durante décadas y que, fuera de nuestro país, es una forma de expresión escénica que goza de una gran consideración y admiración, como lo prueba el que los espectáculos de teatro de objetos para adultos pueblan las mismas programaciones que los otros géneros teatrales.
El festival, que se celebra en Segovia hasta el 15 de mayo, implica a toda una ciudad en esta muestra que, además de copar claustros, iglesias, plazas, patios y teatros se disemina por cualquier rincón, sorprendiendo a unos espectadores que acuden masivamente al reclamo de un festival que desde hace 26 años colma las más exigentes expectativas. Titirimundi se extenderá por ocho ciudades de Castilla y León: Ávila, Burgos, La Bañeza (León), León, Sabero (León), Salamanca, Valladolid y Zamora, así como por doce localidades de la Comunidad de Madrid: Alcalá de Henares, Alcobendas, Alpedrete, Arganda del Rey, Colmenar Viejo, Guadarrama, Leganés, Moralzarzal, Navalcarnero, Pozuelo de Alarcón y Rivas Vaciamadrid, además del Centro Dramático Nacional y algún barrio de la capital. También se trasladarán dos compañías a Barañáin (Pamplona).
En esta edición con espectáculos de una veintena de países y para todo tipo de edades, entre los que destacan los afinados y sorprendentes trabajos de los chilenos Cinema, el alemán Bruno Pilz, los canadiensesBunk Puppets, los catalanes Escarlata Circus y Pelmànec Teatre, los belgas Karyátides, los franceses La soupe y Non Nova, así como numerosos espectáculos de calle. Muchos de estos montajes viajarán a numerosas poblaciones de Castilla y León y comunidad de Madrid y, entre el 17 de mayo y el 17 de junio, el Centro Dramático Nacional (CDN), acoge en su sede del Teatro María Guerrero varios espectáculos de Titirimundi.
El CDN ofrece una exquisita selección que inicia Poli Dégaine, de La Pendue (Francia), con dos marionetistas, un poco locos, que utilizan la marioneta más célebre del mundo, Policinella, para crear un espectáculo excepcional, en el que este pequeño títere se niega a interrumpir su siesta y rechaza a mamporros y tortazos a los que tratan de impedir su descanso, incluidos el diablo y la muerte, de la que se ríe y vence en sus propias narices. Los manipuladores acaban siendo manipulados y todo acaba teniendo una coherencia barroca.
Los húngaros Mikropódium, con Sopt, un montaje con micromarionetas desarrolladas con una técnica de construcción absolutamente innovadora, cuentan historias de escasos minutos de duración, que irradian una sutilidad conmovedora.
Inventores de una nueva forma de expresión teatral, la compañía bosnio-peruana, Hugo e Inés, que arrasan allá por donde van con sus sencillos e impactantes montajes, ofrecen Cuentos pequeños II con sus estrambóticos personajes creados con las manos, los pies, las rodillas, o el vientre y para públicos a partir de 5 años.
La Chana, compañía de Salamanca, pero al nivel de lo mejorcito. Ofrece Vulgarcito, dramatización libre del famoso cuento Epaminondaspara todas las edades y Entre diluvios, propuesta para adultos en la que analizan, con un sarcasmo desternillante y a través de pasajes bíblicos, conflictos fundamentales del hombre. Ambos montajes no son espectaculares por su técnica, sino por su profunda inteligencia y su peculiar y brillante humor.
Para los amantes del títere más tradicional está Pulcinella, del italiano Salvatore Gatto, representante genuinos del teatro de títeres de cachiporra, cuya contribución ha sido providencial para la pervivencia y revitalización de un género teatral con siglos de tradición.
La compañía holandesa Duda Paiva Puppetry and Dance ofreceBastard, donde combina con creatividad la danza moderna y los títeres con El arrancacorazones, de Boris Vian, donde con su humor y su provocador imaginario, nos acercamos a la crueldad humana.
Fuente: Rosana Torres (www.elpais.com)

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14:32

'Agost' exhaureix totes les entrades i prorroga fins al juliol

Publicado por Elisa Díez | Etiquetas: , , , ,



Agost segueix escalfant la cartellera barcelonina a un ritme imparable i prorrogarà tres setmanes més. El fenomen de la temporada passada del TNC, va tornar a la Sala Gran el passat 25 d'abril i ha tornat a superar totes les expectatives: ja s'han exhaurit totes les entrades previstes fins al 17 de juny i aquest divendres es posaran a la venda les entrades per a noves funcions del 20 de juny al 8 de juliol. 
A Agost, el dramaturg nord-americà Tracy Letts traça el relat descarnat i tragicòmic d'una família del Midwest americà que es veu obligada a retrobar-se en el dia en què el cap de família desapareix. La versió catalana, dirigida per Sergi Belbel, té com a protagonistes quatre pesos pesats de l'escena catalana: Anna Lizaran, Emma Vilarasau, Rosa Renom i Montse German.
Font: ACN via www.ara.cat

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